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CamilleConstant
le 15.01.2014 à 17:30:12


Dossier de Camille Constant


Technique numérique fondamentale

INFR'ACTION , Performance Art Festival International

Sète, du 11 au 15 Septembre 2013
Artiste étudiée: ECHO MORGAN.

Echo Morgan Performance
Echo Morgan (de son vrai nom Xie Rong) est née à Chengdu ( Sud Ouest de la Chine). A l'age de 19 ans elle démenage au Royaume-Uni à Londres où elle obtient un baccalauréat en design graphique à Central Saint Martins et une maîtrise en beaux-arts au Royal College of Art. Depuis 2011, elle collabore avec le photographe Jamie Baker sur les interventions photographiques dans son travail de performance. Elle vit et travaille à Londres actuellement.
Dans son travail, Morgan se met en scène et se révèle à la fois actrice, narratrice et cinéaste de sa propre histoire en rapport avec ces racines culturelles Chinoise. Ses prestations incarnent la société complexe de la Chine qui a subi une série de transformations philosophiques, idéologiques et politiques. A travers la performance, Echo Morgan explore la relation complexe entre la violence, la beauté et la vulnérabilité de façon a examiner ces antipodes sur l'impact du " soi " et du corp.
Elle utilise la gestuelle, le corp, la voix, en constant mouvement sur des surfaces accompagnés d'objets. En effet, Morgan transforme souvent la surface de son corps en symboles, elle adopte une identité à travers l'utilisation de signes et signifiants tels que des vêtements ainsi que le maquillage.

Morgan à Sète


Ici Echo Morgan interpelle le spectateur en pleine rue de Sète, habillée entièrement de blanc , tenant à la main un baton et un bouclier signe de pillié et de révolte. A l'aide d'un rouge à lèvre rouge ( on constate le contraste entre les couleurs rouge et le blanc) elle dessine sur son corps( trait) jusqu'à en recouvrir la totalité en l'étalant avec ses mains. Elle invite le télespectateur a participer en donnant un sentiment de malaise tout en divulguant une émotion intense qui s'entrelace avec le public. Sa performance est surprenante, elle interpelle et déstabilise de part ses expressions du visage et sa gestuelle ( tristesse, pleurs, renfermement sur soi, mal être..) Progressivement le rouge ( couleur du sang) s'empare de son corps blanc vetu ( signe de pureté et de liberté) pour en recouvrir la totalité . Morgan Echo s'imprègne entièrement du personnage qu'elle représente. Sa performance ne dure que quelques minutes mais est trés intense.


CRAC

Kraftwerk - Pop Art vision
Fondé en 1970, Kraftwerk est un groupe allemand de musique électronique qui s'est emparé des rouages de la pop commerciale pour s'affirmer à l'avant-garde de la musique électronique. Le quatuor expérimental de Düsseldorf n'en a pas moins révolutionné la pop, 45 ans aprés leur création le groupe détient un succés qui ne cesse de croitre.Ses productions novatrices et expérimentales ont influencé un certain nombre de groupes. Statut d'icone, ils ont a la fois leur place dans une galerie d'art ou un musée, ce sont des statuts vivantes de l'instalation, leur représentation est en adéquation avec les arts visuels.

On concidère kraft comme le premier groupe qui a compris le potentiel des machines élèctroniques pour créer de la musique populaire; concert en 3 dimensions, néons, feseaux lumineux, projection d'image en grand écran, concerts gigantesques.
Kraftwerk a un fort pouvoir d'attraction grace à la représentation visuelle de leur musique. Depuis les années 70 ils ne cessent de révolutionner la musique pop de grace à leur inombrables inovations et leur vision fascinante du futur.
Les techniques introduites et l'équipement développé par le groupe sont désormais courants en musique contemporaine. Beaucoup de DJ de la musique techno se réfèrent au groupe comme à une de leurs influences les plus importantes. Le groupe Kraftwerk détient un succés mondial.





Journée du 10 Octobre 2013

Visite des institutions d'art de Montpellier.

FRAC: Fond regionaux d'art contemporain ( Jack lang )
Exposition d'Alain Bublex; une nuit sans sommeil

Moto

Alain Bublex expose au Frac des Photographies, des tableaux d'architectures, de mobiliers, des tableaux imprimés, il utilise un éclairage assez fort pour mettre en valeur ses oeuvres, comme un éclairage de chantier. Une moto est positionnées prés d'un mur, légèrement démontées (selles,quelques pièces) une image imprimée de moto est présente sur le mur derrière, en format agrandi.
L'exposition est contemporaine et ouverte à l'espace environnant ; c'est un chantier, une fabrique de l'oeuvre, et les objets dialoguent entre eux.
L'Artiste francais Alain Bublex travaille autour de l'architecture et l'informatique; il crée des images informatiques et les imprimes : trompe l'oeuil.
Ce qui l'interesse c'est l'idée que les choses changent " work in progress" , l'étape intermédiaire.
Passionné de moto, il cherche a nous montrer qu'acheter une moto puissante et la transformer ne la rendra pas plus performante. Le rêve du changement ou de la tranformation lui suffit.
Ses dessins et tableaux nous sont présentés sous forme d'applats, et si l'art est bien pour Bublex un «travail», c'est que son espace s'apparente bien à celui d'un chantier, dans lequel la fabrique de l'œuvre - exposition est une élaboration potentiellement indéfinie, même si elle se livre dans un état arrêté. Son travail est principalement basé sur le temps.



Carré Saint Agne.


  • Chiharu Shiota, exposition « After the dream 2013 »

Shiota

Sa réalisation est spécifique à l'architecture du lieu et à son identité, Shiota utilise le plafond et les piliers comme structures d'environnement immersif.
Lorsque nous rentrons dans l'église,on apercoit cinq longues robes blanches pendues au plafond, entre les piliers, au centre de l'espace. Un fil noir qui s'apparente à une toile d'araignée emprisonne les robes dans un tissage complexe. Le visiteur ne peut envahir l'espace, les robes sont comme "protégées" par la multiplicité des fils. Shiota a crée un cocon dans lequel nous sommes totalement immérgés; le visiteur est surpris, fasciné par l'immensité de l'installation, il se déplace à l'interieur de la pièce en contournant les fils. La structure de l'oeuvre et légère et aérée, néanmoins, l'ambiance tamisée des lumières est oppréssante, mystèrieuse à la limite de l'angoisse, le spectateur serait la proie à venir d'une bête de l'ombre..

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La panacée

Thomas Weyres, né en 1978, est un designer. Il vit et travaille à Berlin.
Diplômé en communication visuelle de l'Université des sciences appliquées de Münster, en Allemagne en 2006, il a travaillé depuis pour MTV, Sony, Viacom BMG, Ableton, Die Zeit, Daimler et Arte.
Thomas Weyres s’est intéressé aux problèmes de codage de l’information et aux questions liées au rapport instauré entre le corps et les appareils technologiques.
Dans ce domaine, la lecture et l'écriture sont actuellement ses champs d'intervention principaux, l'SMS Type suit le tracé de la phrase "je t'aime" sur un clavier de smartphone, dans huit langues différentes. L'expression d'un sentiment des plus intimes prend ainsi une forme identique pour tous. Thomas Weyres nous dévoile au grand jour, la trace d'une écriture quotidienne, dont on ignorait l'existance.

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Ralf Baecker, The conversation


Baecker nous présente la conversation,une installation fabriquée en cercle, il combine les élèments élèctriques et mécaniques. Des bobines magnétiques ( cable) sont reliées entre elles, le mouvement de chaque composant a un impact sur chaque autre composant, les fils sont en mouvements en permanance, l'objectif est de créer un cercle parfait, ce qui est alors impossible.. Baecker matérialise le système d'une conversation, les cables représentent l'idée d'une confusion dans le dialogue. On entend aussi le bruit d'un buzz que l'on peut avoir dans certaines conversations au téléphone. Les mouvements sont trés lents, et sacadés, ce travail minutieu ( on pourrait parler de travail de fourmis) est à la fois intéressant et captivant.

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Pavillon Populaire

Bernard PLOSSU "Images/Couleurs"
Près de 250 épreuves photographiques de Bernard Plossu sont exposées au pavillon populaire représentant toutes les facettes et tous les usages du médium photographique en couleurs. Des photographies de ses voyages et reportages .

Cette photographie a attirée mon regard, notamment à cause des couleurs et du style de la photo; le flou prédomine l'image, mais la netteté de l'arriere plan en ai encore plus impressionnant, Plossu est un génie de la photographie, car il réalise des images surprenantes à partir d'appareil atypiques dans le milieu professionnel. Ses photos attirent notre attention, il utilise des appareils jetables ou des appareils jouet (Agfamatic, Instamatic, panoramique Prestinox) pour faire ses réalisations. Le spectateur s'attend a un résultat moyen, mais il démontre tout le contraire. Plossu est un voyageur, ouvert d'esprit, en quête de découverte, il saisit ses plus belles photos au quatre coins du monde.

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« Almeria, Andalousie, Espagne, 2004-2005, appareil jouet plastique, tirage Benny »



LIVRE


l'ABCdaire de l'Art contemporain
Catherine Francblin, Damien Sausset, Richard Leydier

Gina pane

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gina pane


Née en 1939, artiste francaises d'origine Italienne, Gina Pane a été l'un des principaux représentants de ce que l'on appelle le Body Art (pratiques artistiques effectuées avec le corps). Ses performances peuvent paraitre choquantes et intriguantes, en effet, l'artiste utilise une tendance artistique peut courante, elle pratique l'auto-mutilation et le sadomasochisme. Gina Pane, avec un sang-froid et une attitude rationnelle, utilise la souffrance comme un moyen de représenter la spiritualité, porteur d'une charge émotionnelle et symbolique profonde. Elle emploie sa chair et son sang comme un média artistique. Elle met en avant la fragilité du corps humain, souvent mis à nu, un corps bléssé, salit, mutilé, en montrant le sens du danger et de la douleur. Performances dont on ne peut rester indifférent, car elles touchent au corps humain, au sacrifice ..
* Sur la photographie ci-dessus, Gina Pane mutile sa langue, en lèchant du verre coupé, image terrifiante, qui me laisse sans voix.

Rejetant tout esthétisme, la plupart des performers aiment se frotter à l'interdit et se mettre en danger. Si le language est le matériau privilégié de l'artiste conceptuel, le corps, est l'outil caractéristique du performer.
La performance implique souvent la durée, la préméditation et la conscience du destin particulier de l'enregristrement qu'il soit filmique ou photographique.



Willi Dorner
Intégrer et développer dans :
Willi Dorner

Bodies in urban space

J'ai choisi de vous présenter en plus des expositions que nous avons vu, un artiste performer qui m'a beaucoup plus et interpellé, mettant en scène de jeune chorégraphes dans les rues urbaines.

Willi Dorner est un grand chorégraphe qui a monté sa compagnie en 1999. En plus de ses tournées internationales, il organise des événements depuis quelques années qui donnent l’occasion au public de vivre de nouvelles expériences dans leur quotidien. Sa troupe de danseurs envahit les villes, ruess, place, bâtiments et se fondent dans les espaces urbains avec une aisance déconcertante. Les artistes sont habillés en couleur, de manières décontractés et forment ensemble des figures peut probables.

L’intérêt est de voir réagir les gens dans la rue, étonnés et sidérés. Les danseurs s’installent de manière insolite et repartent aussi rapidement qu’ils sont arrivés. Un instant agréable pour les citadins qui ne sont pas au bout de leur surprise.

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Willi Dorner a présenté sa troupe lors de la ZAT de Montpellier en 2010 vidéo


PERFORMANCE



Contraste de deux visages, deux cultures, deux origines, deux mondes regroupés dans une seule et même personne.
Performance du corps et de l'esprit.
Performance qui pointe du doigt les différences et le racisme.


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