BiographieSantiago Sierra né à Madrid en 1966 est un artiste espagnol. Il vit au Mexique depuis 1998. C’est là qu’il puise son inspiration contestataire axée sur la critique de la mondialisation, de l’exploitation de l’homme par l’homme, de l’inégalité des rapports Nord-sud et de la corruption capitaliste. Il n’hésite pas à faire intervenir dans ses performances des sans-papiers, des prostituées, des drogués et à les rémunérer pour leur présence. De photos provocatrices de personnes en tatouages, de cirage de pompes (au sens premier du terme) en détentions « mises en scène », il dénonce ainsi les réalités de notre monde. De Hanovre à Séoul en passant par Dubaï.
Son art pose de manière brutale la question du travail et de son exploitation à travers des performances, des installations, des photographies ou des vidéos. C’est un artiste photographe et vidéaste. Il construit des œuvres radicales qui proposent une lecture du contexte géopolitique dans lequel il se produit. La polémique que ses œuvres engendrent, révèle les stigmates d’un pays et l’importance du rôle social de l’artiste.
Santiago Sierra nous livre une vision du contexte géopolitique dans lequel il évolue.
Dans le milieu artistique, les critiques disent de lui qu’il est un « alter mondialiste au minimalisme rigoureux ».Notre passivité devant ce spectacle navrant, ces photographies grand format noir et blanc, témoignages emphatiques des performances organisées un peu partout dans le monde et toujours ajustées au contexte sociopolitique ambiant, c’est le point le plus terrible de l’affaire. Son travailL’instrumentalisation de la misère sous couvert d’un vernis politique passé à la hâte sur un commerce douteux, celui d’hommes et de femmes en état de détresse sociale que Santiago Sierra avilissait pour quelques dollars. Cinquante billets verts pour se faire tatouer une ligne droite de trente centimètres dans le dos, dix dollars de l’heure pour se faire enfermer pendant trois cent soixante heures d’affilée, soit quinze longs jours à passer derrière un mur dans l’espace du PS1 à New York. Le seul contact avec l’extérieur se faisait par le biais d’une trappe au ras du sol, par où les gardiens passaient de la nourriture. Et les exemples s’enchaînent tous aussi monstrueux : Des héroïnomanes payés en drogue pour se laisser raser un rectangle dans leurs cheveux, des réfugiés tchétchènes contraints au travail au noir parce qu’ils ne doivent pas travailler avant que leur demande d’asile ne soit acceptée par le gouvernement allemand.
Ces hommes dans la misère se sont pliés aux règles absurdes de Sierra : rester quatre heures durant, enfermés dans un abri de carton, à bonne distance des visiteurs du Kunstwerke de Berlin, médusés et incrédules. Bien sûr, on comprend très vite qu’à cette relation sadomasochiste se greffe une réalité sociale et politique terrible. Tout travail mérite salaire et dans la plus grande des misères, un trait dans le dos ou quelques heures assis à attendre ne paraissent pas si terribles lorsqu’on est contraint au travail clandestin épuisant ou à la prostitution de survie. Ce n’est pas pour ces gens que l’on est le plus gêné mais pour nous-mêmes.Santiago Sierra, installé au Mexique contribue à faire reconnaître la scène artistique de ce pays. Son œuvre est emblématique de la situation sud-américaine, du contexte économique et social d’un pays du ?sous-continent? selon la terminologie commerciale américaine. Le déplacement volontaire de son lieu de résidence et de son contexte de travail, le radicalisme avec lequel il emploie les modes de production et d’échanges économiques propres aux pays d’Amérique latine, marquent l`ensemble de son œuvre.
Nationalité, déplacement, frontière, patrie, échange économique sont les sujets récurrents de ses expositions. A chaque invitation, Sierra propose une œuvre qui offre une lecture du contexte national, social et économique dans lequel elle se réalise.
Dès le début de sa carrière, Sierra a été intéressé par les questions politiques et sociales ainsi que les structures de pouvoir qui opèrent dans l’économie de marché capitaliste. L’artiste intervient dans ces structures et expose des situations d’exploitation et la marginalisation, célèbre l’embauche des personnes défavorisées qui, en échange d’argent, sont prêts à entreprendre des tâches inutiles ou désagréables. Sierra ne répète jamais la réalité, mais des défis de l’exposer ses mécanismes intrinsèques. Il produit réalités au lieu de les peindre. L’essentiel du travail est souvent dans la tension générée et soutenue entre l’événement, ou de sa documentation, et le spectateur qui est exposé, à ce qui peut être décrit comme l’articulation formelle et poétique de la voix de tous ceux qui sont normalement marginalisés ou privés de leurs droits.Grâce à son travail, il tente de montrer ce qu’il ressent à l’absurdité des relations de pouvoir, en prenant son analyse jusqu’à ses dernières conséquences, ce qui signifie parfois de dépasser les limites de ce que nous considérons aujourd’hui comme politiquement correct. Deux axes de travail informent son œuvre : art de la performance et la création d’objets sculpturaux. Ce dernier trahit les influences du minimalisme Arte Povera des années 1960. Il s’agit là de sculptures minimales car souvent les formes convoquées (ligne tatouée, rectangle rasé, masse géométrique à porter, mur de brique) en appellent à l’art minimal des grandes années 1960. Ses œuvres sont localisés et temporaires, liés à une histoire spécifique d’un emplacement spécifique.Dans son travail, Santiago Sierra propose une relecture des formes minimales et conceptuelles. Il rejoue les principes qui ont guidé les mouvements des années 70 en les réactualisant : formes primaires, conditions de production, division du travail, participation du spectateur, sérialité et répétition. Sierra introduit dans l’ensemble des paramètres de son œuvre, des contenus économiques, sociaux ou politiques. Il parasite la création de ses formes, de questions morales, éthiques ou religieuses. Mais si on prend le temps de considérer l’ensemble de son travail, son œuvre apparaît alors comme une des plus fortes contributions à la définition de la sculpture contemporaine.
L’utilisation de personnes comme matière première pour l’art, certains en disent que son art fait une déclaration puissante sur les inégalités économiques. D’autres disent que c’est une pure exploitation.
Son processus de création semble avoir démarré quand il a déménagé au Mexique et à partir de sa ville natale de Madrid trois ans plus tôt. Il aborde l’architecture, redéfinit les espaces publics ou privés par des matériaux comme le béton, la pourriture des aliments, l’emballage de bande, voitures démontées, et des conteneurs métalliques. Au Mexique, il a commencé à faire les pièces de la rue de plus en plus axée sur sa pensée vers ce qu’il appelle «le système de rémunération», qui est la façon dont les gens échangent leur temps et leur énergie pour de l’argent dans le cadre capitaliste.Travaillant souvent avec les organisations de réfugiés, Sierra créé des pièces que les travailleurs concernés de la sous-classe locale paye pour faire des tâches de sens: s’asseoir à l’intérieur une boîte en carton, ou pousser deux blocs de béton tonnes. En concevant « délibérément ces emplois inutiles » dit il, il souligne la disjonction entre ces travailleurs et leur travail, montrant le travail comme une condition imposée au lieu d’un choix fait. Sierra embauché des prostituées principalement européennes de l’Est et met en scène son événement dans une église abandonnée du 12e siècle. Elles portent des sous-vêtements et talons hauts, et assument des positions sexuelles. L’artiste donne l’argent et dit « Si vous allez dans un café, vous ne pensez pas à l’homme qui a cueilli les graines de café, qui pourrait être vivant dans des conditions d’esclavage», explique la Sierra. « Avec les prostituées, il n’y a pas à se poser la question non plus ». Sierra rempli une galerie située dans une ancienne synagogue de Pulheim, Allemagne, avec un gaz toxique tellement d’émissions des voitures que vous ne pouviez pas entrer sans masque. Cette installation a été fermée au début par la protestation. Les commentaires sur la «banalisation de l’Holocauste» risquaient de mettre en péril la galerie. Un art provocateurSantiago Sierra repousse sans cesse les limites de ce qui est considéré de nos jours comme politiquement correct. Il met en exergue des situations de soumission et de marginalisation en prenant le rôle de l’oppresseur pour le besoin de ses œuvres, rémunérant des chômeurs, des sans papiers, des toxicomanes ou encore des prostituées pour qu’ils participent à ses actions dans des rôles souvent humiliants ou encore aliénants. (salarier dix hommes cubain pour se masturber). Son travail est d’autant plus poignant que les participants sont réellement en difficulté sociale, il met ainsi l’accent sur l’impuissance des observateurs, incapables d’améliorer le sort des participants. L’artiste ne propose aucune issu à la situation, il semble juste vouloir décrédibiliser les valeurs capitalistes qui prônent le travail comme possibilité d’ascensions sociale, de libération de l’homme par lui-même. il ne propose aucune solution à ces impasses sociales, se contentant de les mettre en exergue, en se positionnant en tant que bourreau. Son rapport aux institutions artistiquesSierra »semble » réussir à être transgressif dans une période où la transgression semble accablée par le retour aux valeurs traditionnelles secrètes. L’art de sierra est une prise de contact avec la réalité, rupture avec l’idée que la résistance dans l’art est une utopie dépassée. Par conséquent, nous pouvons noter dans l’œuvre de Sierra une critique de l’institution artistique. En effet pour lui, industrie de l’art et capitalisme sont inextricablement liées. Transformer n’importe quelle action artistique pour en faire un objet précieux, un objet de luxe (photographies de l’installation) l’éloigne alors d’un véritable engagement politique, il ne perd pas de vue que son statut d’artiste reconnu ne lui apporte pas la possibilité de s’engager dans une révolution des classes, sa position d’oppresseur dans son œuvre vient peut être de cette idée la. Il introduit dans toutes ses œuvres le facteur économique, en rémunérant les participants, ceci se traduit comme la clé de voûte de sa «résistance artistique». On peut qualifier Sierra de Post-duchampien, en effet pour lui l’idée prime sur l’esthétisme, et il remet véritablement en question les capacités réflexives de l’œuvre d’art.En conclusion, Santiago sierra fait bien la différence entre sa position d’artiste qui crée des objets de luxe en parlant de la situation du prolétariat voire en l’utilisant, et une personne engagée dans la lutte pour cette classe sociale qu’il définit lui-même comme « l’activiste de gauche ». Il définit son action de résistance artistique comme un parasitage, il met au grand jour les problèmes de conscience que se pose notre société néo-libérale occidentale se qualifiant de « tocapelotas » (emmerdeur). Est-ce donc le seul moyen de résister à l’oppression que la mettre au premier plan, ou est-ce que son action est-elle simplement cynique, ou sont art est-il la représentation d’une forme de nihilisme? C’est à ses spectateurs d’en juger. Quelques unes de ses œuvresSes œuvres sont pour la plupart controversées. Son travail reflète son point de vue sur le capitalisme, le monde du travail, l’exploitation, l’esclavagisme social.* Dans sa première «action», pour le spectacle Ikon, Sierra filmé un homme grisonnant sans-abri qu’il avait payé pour dire, « Ma participation à ce projet pourrait générer des profits de 72.000 $. J’ai été payé £ 5 ». Le ton est donné.* A Mexico, 1998, Santiago Sierra tatoue une ligne verticale sur le dos d`une personne en échange de 50$ : 30 cm d’une ligne tatoué sur une personne rémunérée pour servir de toile. La marque, dessinée par un tatoueur embauché, dirige un pied de long dans le dos charnu de l’homme. Cette ligne représentait une sorte de Rubicon. Sur la base des gestes improductives, délibérément sans actions, il joue sur les équivalences entre temps de travail et les salaires dans le but de saper un système basé sur une économie utilitariste, et de mettre en avant les abus auxquels elle donne lieu. L’artiste évoque l’improvisation des emplois sporadiques qui constituent souvent des solutions temporaires ou immédiates pour la population, face à des fissures et des pannes politique et sociale des mécanismes économiques.
* En Autriche, à Vienne, il aligne face à une cimaise de la Kunsthalle, 30 travailleurs en relation avec la couleur de leur peau.* Au Guatemala, 1999, «Les ouvriers qui ne peuvent pas être payés, sont rémunérés à rester à l’intérieur de boîtes en carton». Puis en 2000, 8 personnes seront à nouveau payés pour rester dans ces boîtes cardboardboxes, Courtesy: Galerie Peter Kilchmann, Zurich.* Au Mexique, en 1999, il lui est attribué « une chambre » dans une exposition de groupe et va embaucher 465 personnes pour emballer l’espace. C’était si plein que l’ouverture de nuit habituelle n’a pu accueillir le public resté dehors.* A Cuba, La Havane, 1999, Ligne de 250 cm tatouée horizontalement sur le dos de six jeunes Cubains. Santiago payera ces personnes. Son travail est de façon permanente à défigurer ses sujets. Sierra voit autrement: «Le tatouage n’est pas le problème Le problème est l’existence de conditions sociales qui me permettent de faire ce travail Vous pouvez faire cette ligne tatoué un kilomètre de long, avec des milliers et des milliers de personnes prêtes à le faire pour de l’art »* Il a payé un groupe de travailleurs pour se déplacer avec une grosse pierre d’un point A à un point B et vice versa.* Au Brésil, en 2000, il a paye quatre prostituées toxicomanes avec leur médicament de choix, en échange de leur laisser une ligne tatouée sur le dos.* En Espagne, août 2001, il expose une immense banderole sur une plage de Majorque où des gens peuvent lire « Inlander Raus « ( » Indigènes, go away « ), en ciblant la tension sur l’île touristique entre les Espagnols les résidents et les touristes germaniques. Le conseil municipal a immédiatement ordonné la destruction de la banderole, Sierra la réinstalle, et enfin elle a mystérieusement disparu peu de temps après.* En 2002, Palais de Tokyo, il a également provoqué en couvrant de bâches en plastique noir dix irakiens immigrants pour qu’ensuite, Santiago leurs pulvérisent de mousse de Polyuréthane isolante. « Ce travail de Sierra pourrait tout aussi bien avoir été fait à Paris», souligne le directeur du Palais, « Certains téléspectateurs ont trouvé le travail de Santiago très violent, mais il nous oblige à voir la violence de notre société, dans une période très difficile ».* Un autre de ses projets connus est une salle de boue dans Hanovre , en Allemagne , pour commémorer et mesurer l’origine de l’emploi de la Maschsee .* Il crée la polémique sur la légitimité de sa présence au pavillon Espagnol de la biennale de Venise en 2003. Ce n’était accessible que pour le public espagnol, et alors seulement sur présentation d’une carte nationale d’identité officielle le public pouvait y entrer. Des personnes n’ayant pas ce statut national se sont vu refusé le passage. Impossible de percer le mystère de ce périmètre de briques pour qui n’est pas muni d’un passeport espagnol : retour à l’envoyeur avec cette mise en condition plutôt salée du public huppé d’un jour de vernissage. Le chaland repart dépiter, victime géopolitique d’une frontière de pacotille bien humiliante. Aucun témoin n’ont pu voir les performances dans l’espace le 1er mai, dans lequel une vieille femme portait une cagoule noire a été sommée à s’asseoir en silence sur un tabouret pendant une heure. C’est de cette manière que Santiago Sierra a choisi de représenter l’Espagne. Il fait comme il le fait souvent dans son travail : il utilise des êtres humains vivants, conscients et inconscients, pour mettre en évidence le caractère problématique de notre économie capitaliste mondiale.Avant sa nomination à la Biennale, Sierra concède qu’il a toujours évité toute notion de nationalité dans son travail. « L’Espagne ne signifie rien pour moi comme n’importe quel autre pays, c’est une construction idéologique avec des effets politiques, a t-il expliqué. Ayant vécu la moitié de sa vie adulte dans la ville de Mexico, il considère le Mexique comme sa seconde patrie. Tout aussi important, que l’expatriation est devenue un catalyseur pour le travail qui lui a acquis la célébrité, par le brouillage de son sens de classe et de statut social.* 3000 huecos de 180x50x50 cada uno 2002En 2002 sur un terrain situé en face de la cote marocaine, Sierra fit creuser 3000 trous de la taille indiquée, alignés verticalement et horizontalement. Le travail fut effectué par un groupe de personnes de 20 à 7 selon les jours, pour la plupart immigrés sénégalais ou marocains, dirigés par un contremaître espagnol. Ils furent rémunérés comme le préconisait l’Etat espagnol, c’est-à-dire 54 euros pour huit heure de travail par jour.
En privant les participants de toute aide mécanique, Sierra ramène le travail à ce qu’il a de plus élémentaire, de moins qualifiant, ôtant toute compétence secondaire aux ouvriers, et montrant ainsi une forme d’aliénation dans le travail.
Cette performance fait également référence à la mort des immigrés clandestins, naufragés des pateras, venus d’Afrique. Il métaphorise ainsi un drame historique, en y faisant participer ses propres protagonistes, en effet, les trous creusés par les travailleurs pourraient bien être leurs propres tombes ou encore celle de leur famille. En se contentant de reproduire le schéma salarial officiel, il met le spectateur en face de la réalité du marché du travail, qui se retrouve déplacée sur la scène artistique pour y être rejoué, exhibée, et finalement dénoncée.
La résistance politique de Santiago Sierra repose donc toute entière sur la duplication à l’identique des mécanisme économique et sociaux. Pour cela, l’artiste se place dans la position du dominant (employeur rémunérateur, occidental, nanti d’un capital économique et culturel) et s’exhibe comme puissance souveraine qui utilise les opprimés comme instrument a des fins artistiques.* En Allemagne, 2006, il provoque une controverse avec son installation de «245 mètres cubes », ou chambre à gaz créé dans une ancienne synagogue de Stommeln. L’artiste a stationné six voitures en dehors de la synagogue et y ont apposé leurs tuyaux d’échappement à la construction, utilisant des tubes en plastique. Elle est ensuite remplie de gaz mortel. Les visiteurs sont invités à aller à l’intérieur un par un, portant un masque à gaz, escorté par un pompier. Avant d’être admis à l’intérieur ils doivent signer une décharge indiquant qu’ils réalisent que la salle est pleine de monoxyde de carbone …* Pour son premier projet d’exposition en France, Santiago Sierra réalisera deux œuvres :
‘The first verse of the Marsellese played uninterruptedly for one hour’, présentées sous forme de concert dans la salle du théâtre de Brétigny et fera l’objet d’un enregistrement. Un orchestre local, jouera en continu pendant une heure les premières mesures de la Marseillaise. L’installation est faite dans l`espace d’exposition qui est une pièce noire dont l’accès est soumis à des règles. L’Espagnol compte bien ici avec cette installation nous mettre en garde-à-vue dans un cube noir de 9 m 2 minimal à souhait. Sculpture en soi, le volume, insonorisé et ventilé, accueille une chaise. Après avoir signé une décharge signalant avoir pris connaissance des faits, le « Prévenu » du centre d’art abandonne ses lacets, sa ceinture, ses bijoux, un peu de sa dignité pour entrer en isolement. Jusque-là tout va bien ou à peu près. La durée de la détention est arbitraire, de une à quatre heures. C’est là que cela commence à faire mal, dans cette France malade d’insécurité où le nombre des détentions explosent. Dwelling of 9 Square Meters devrait vite faire passer le goût de l’interactivité au visiteur. En ce temps de campagne électorale, cette pièce pourrait même devenir un vecteur d’opinion.* L’Inde, le Mexique et le Venezuela -7 Travaux entre 2005 et 2007 des expositions à la Lisson Gallery. Il comprend le très controversé « 21 modules anthropométriques », fabriqué à partir de matières fécales des travailleurs de Sulabh (une initiative de l’assainissement en Inde International projet), pour lequel les matières fécales de l’homme ont été recueillies à New Delhi et Jaipur, séché pendant trois ans, mélangé avec un plastique agglutinante et séché dans des moules pour produire des sculptures final. Les trois salles de la galerie ont été occupées par de grandes dalles noires rectangulaires ou sont posés sur les côtés les restes des caisses en bois dans lequel ils ont été expédiés. Le matériel d’emballage a été éparpillé sur le sol, et l’air était parfumé à l’odeur forte d’engrais. Comme promis par le titre, les dalles ont été fabriquées à partir de merde qui avaient été recueillis et laissé mûrir pendant trois ans avant d’être finalement mélangée avec une résine de plastique pour former une surface qui ressemble à du chocolat . S’il est placé sur le sol, les dalles – à plat sur un côté et en creux sur l’autre – serait former des plateaux avec plus assez de place pour un corps: pour cette raison, la forme suggère mobilier (lit, canapé, banc) ou le couvercle de un sarcophage. Cette installation a été agréable – à pied à travers le spectacle avec les autres, on ne peut s’empêcher de ressentir un sentiment de soulagement d’être des objets donnés à contempler, à ne pas avoir à disputer avec la présence vivante du corps exploités. En fin de compte, nous préférons tenir compagnie à cette merde joliment emballée qu’avec les organismes dont il est issu.* Alliant culture de la rue et culture dans les galeries, il a engagé des mendiants à cirer les chaussures et les plats de bus au niveau des ouvertures des salles d’expositions.
* Ici il fait une courte vidéo qui présentait dix cubains prostitués à l’écran. Tous se masturbaient après avoir été payé 20 $ chacun. Le London Times a sévèrement critiqué le travail quand celui-ci a été montré à Birmingham, en Angleterre, de Ikon Gallery, avec le titre «Outrage au sexe vidéo cubaine montré ouvertement aux enfants ». Citations* « Je veux créer la nervosité et les problèmes dans les institutions, disons par le démantèlement des plafonds, ou de mettre une bombe dans un ou briser les vitres ».* « D’une certaine manière, les institutions trouvent toujours un moyen de ne pas le faire. Peut-être que je dois trouver des tactiques plus subtiles. Mais mon rôle dans ce jeu est d’appuyer le doigt sur les lieux sensibles et créer des situations inconfortables pour les gens qui veulent avoir du plaisir en la galerie ».* Le travailleur rémunéré ne m’inquiète pas si vous lui dite de nettoyer la chambre ou de faire plus sale », « Aussi longtemps que vous le payer, c’est exactement la même chose, la relation de travail est basé uniquement sur l’argent.* « Ces idées sur l’art essayant de pousser la société en apportant une modification sont très naïves », dit-il, « ce travail implique en réalité que les artistes se montrant bon c’ur pour penser aux autres. Je sais ce que je suis un producteur d’objets de luxe », faisant référence aux photographies et vidéos ».* « Je pensais qu’il était impossible que je propose l’acte de tatouer quelqu’un pour de l’argent et qu’il serait effectivement accepté, se souvient-il. Avoir un tatouage est normalement un choix personnel. Mais quand vous le faites sous des conditions de rémunération, ce geste devient quelque chose qui semble terrible, dégradant. Ca illustre parfaitement la tragédie de nos hiérarchies sociales. Donc, je savais intellectuellement que je devais continuer avec ce concept ».* « Lors de la Biennale de Venise, Rosa Martinez explique, « Je pense qu’il a profondément touché le c’ur du problème en mettant l’accent sur la rémunération, parce qu’il est la visualisation d’une manière extraordinaire la façon dont les gens sont soumis au destin économique. En fait, par en utilisant des êtres humains, il est capable de créer une plus grande tension que ce qui peut être atteint à travers des sculptures en fer ou en bois. Il n’est pas surprenant que son travail a été largement controversée. Le Monde l’a décrit comme le produit d’un cynisme impitoyable, et les organismes sociaux ont appelé à son usage des réfugiés inhumaines ».* « La ligne tatouée pourrait également être une image d’un monstre ou toute autre image, mais la ligne unique est le geste minimum nécessaire, sans aucune statique qui l’entoure ».* « la Sierra cite lui-même artiste espagnol Isidoro Valcárcel Medina-un artiste conceptuel alliés avec les mouvement Fluxus, comme la principale influence sur son travail. «Je me souviens d’un spectacle dans lequel Valcárcel récité tout ce qu’il savait par c’ur», dit Sierra. « C’était incroyable car il a passé des heures et il a été un moyen très efficace pour montrer que notre esprit ne nous appartient pas. Il est rempli avec les données relatives à la hiérarchie dans la société J’adore ce genre de travail très clair? ».Santiago Sierra avoue avoir été effrayé par la résistance émotionnelle de faire un travail où il a joué le rôle de l’exploiteur, même si le travail avait pour but précisément de mettre en lumière l’exploitation sociale. Actualité artistiqueSite officiel pour ce projet : http://www.noglobaltour.com
Depuis 2009, Santiago Sierra travaille au No, Global Tour, qui consiste en un tour du monde d’une sculpture sur un camion représentant le mot « NO » en caractères Arial de 3m de haut, sorte d’anti-slogan absurde, qui trouve son ancrage dans les situations locales qu’il parcourt. Dans une tentative de ralentir le rythme de sa pratique, tout en recueillant tous les éléments propres à son travail en une seule pièce, Sierra a développé une unité formelle qui pourrait être adapté à une variété de contextes et être encore efficace.Santiago Sierra avec « NO tournée mondiale » réalise une synthèse entre la sculpture qui insiste sur la relation à des environnements, et la lettre, qui est capable de traiter des situations particulières. En faisant le Voyage sculpture, le travail lui-même change constamment et est traduit dans un road movie. Comme un chroniqueur régulier de la catastrophe, Sierra a choisi le mot NO : une négation qui pourrait voyager autour du monde, et devenir le caractère monumental de premier plan dans un road-movie.Le NO, Global Tour a été lancé le 18 Juillet 2009 de l’écurie napoléonienne à Lucques, en Italie sans horaire fixe ou d’un itinéraire. La sculpture, en forme le mot «NON» pèse une demi tonne, et mesure environ 5,10 mètres de haut par 13,12 mètres de long. Après une exposition de deux mois, le NO est parti de Lucques en direction de Berlin sur une dépanneuse d’une taille qui lui a permis légalement de voyager sans restriction le long d’une route. Sur son chemin vers l’Allemagne le NO a été exposée à Milan et a voyagé à travers les zones industrielles de la ville. Puis il s’est déplacé sur une base à Bernburg, et voyagé à travers l’ancienne République démocratique allemande, où elle a visité les zones résidentielles, industrielles et minières.Quelques lieux de son itinéraire :
À Berlin octobre 2009, un deuxième NO a été construit à Toronto exposé lors de l’événement Nuit Blanche au niveau du district financier de la ville. Le lendemain, il a commencé son voyage vers les États-Unis, où il a voyagé à travers les quartiers industriels et de la classe ouvrière, à Hamilton, Buffalo, Détroit, Cleveland et Pittsburgh.
Après avoir visité quelques bâtiments officiels à Maastricht, il s’est rendu à Bruxelles, où il fait une apparition dans un certain nombre de lieux, tels que le siège de l’OTAN et le Parlement européen.
(‘.) depuis, Londres, New York, Wall Street, au siège de l’ONU, le Rockefeller Center et autres sites touristiques. Le NO part en direction de Miami. Un troisième NO est construit en début de 2010 à Lucca. Il se rend à Livourne, ou Sierra voit un groupe d’immigrants enterré.Il arrive à Monte-Carlo où il s’arrête au palais du Prince de Monaco et du casino. De là, il voyage vers les pays voisins de Saint-Jean-Cap-Ferrat. Plus tard, il continue à Marseille, en visitant les raffineries de pétrole de la ville et une usine d’armes militaires. Il se rend à Montpellier, Lourdes, puis à Madrid. Là Sierra est présenté dans le cadre du programme officiel du salon ARCO. En mai et Juin, il expose au Centre Katzen Arts, American University Museum of Art, Washington son NO. En Juin, un marbre NO est construit en Carreras et inclus dans le programme de la Biennale international de sculpture dans la ville. En août, il voyage autour du Japon, et est l’invité principal de la Triennale 2010 Aichi à Nagoya.
En Novembre 2010, Le NO se rend à Katowice, en Pologne.Le voyage continue’Vidéos« »« » Sources* Site officiel de Santiago Sierra, voir un diaporama de photos des œuvres de l’artiste : [http://www.santiago-sierra.com Santiago Sierra]* Film/Documentaire : Le réalisateur Ben Lewis suit Santiago Sierra à la Biennale de Sharjah, en Corée du Sud et le rencontre au vernissage de « House in Mud » à la Kestner Gesellschaft.* Catalogue d’exposition : sept œuvres à l’occasion de l’exposition à New Work de la galerie Lisson du 30 Novembre 2007 au 19 Janvier 2008. (textes anglais et espagnol)* Catalogue d’exposition : centre d’art contemporain de exposition Malaga,
Du 26 mai – 13 août 2006 (textes anglais et espagnol)
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